martes, 11 de mayo de 2010

Sue de Beer



Marianne Boesky Gallery


La galeria de arte Marianne Boesky se fundó en 1996 en Soho, Nueva york. El objetivo de la galeria desde sus inicios ha sido representar y apoyar el trabajo de los nuevos artistas. La primera generación de artistas de la generación, en la que destacan Sarah Sze, Takashi Murakami y Yoshitomo Nara, ha sido aclamada internacionalmente,al igual que sus artistas de generaciones posteriores. Desde el 2001 la galeria ha incluido artistas estables y con grandes carreras a su repertorio, entre estos se encuentra Sue de Beer. La galeria incluyó dentro de su repertorio a 6 recién graduados de la escuela.


Por el momento esta en exposición:

Hans Op De Beeck con una película silenciosa. Del 8 de mayo al 5 de junio.
Robert Beck and Donald Moffett con Range. Del 9 de marzo al 15 de mayo-
Lucio Fontana con pinturas 1956- 1968. Del 9 de marzo al 15 de mayo.


La galeria tiene 2 cedes, un en 509 WEST 24TH STREET y otra en 118 EAST 64TH STREET.


Sue de Beer

Sue de Beer es una artista que a partir del video, la fototragía y la escultura trata de explorar las conexiones entre la memoria, la historia y la arquitectura.

Ha expuesto su trabajo de manera internacional en lugares como el New Muesum. Whitney Museum of Amercian Art, PS1/MOMA, the Brooklyn Museum, Marianne Boesky Gallery en NY, Los Angeles Contemporary Exhibitions en Los Angeles, Reina Sofia en Madrid, entre otros.

Su colección permanente esta en el Whitney Museum of American Art, el New Museum of Contemporary Art, Brooklyn Museum y Goetz Collection. Recibio su M.F.A en la universidad de Colmbia en 1998.


De Beer’s work is in the permanent collections of the Whitney Museum of American Art, the New Museum for Contemporary Art, the Brooklyn Museum, and the Goetz Collection. She received her M.F.A. from Columbia University in 1998.

Bibliografia

http://www.marianneboeskygallery.com/about/

http://steinhardt.nyu.edu/faculty_bios/view/Sue_de_Beer



lunes, 10 de mayo de 2010

experimentación creatica




Para mi experimentación creativa quise plasmar un poco de la naturaleza y sus formas. Por eso decidí hacer un tronco y dibujar los nudos y garigoles que tienen.

trabajo final

Este trabajo será entregado en pareja por Mariana Montaño y Pilar Martin del Campo.
Es un vestido de lady gaga a tamaño Mariana!
Las fotos del patrón y del proceso las va a subir Mariana.

Ralismo Mágico



Magritte


“The mind loves the unknown. It love images whose meaning is unknown, since the meaning of the mind itself is unknown”

René Magritte


El mundo invisible de René Magritte, se está exponiendo actualmente en el Palacio de Bellas Artes. El artista, René Magritte es de origen belga y pretenece a la corriente de surrealismo.

La exposición comienza con las primeras obras del artista, incluyendo portadas de canciones y partituras, en esta sala está Las Palabras y la imagen, él nos explica su punto de vista sobre lo que cada una quiere representar, dice que nunca se va a poder igualar la cosa concreta o abstraca a partir de una imagen o una palabra, de aqui la idea de que no exista relacion entre los títulos y sus obras, de aqui su realismo mágico, como perfecto ejemplo del cuestionamiento de la realidad pictórica, esta La Perfidia de las Imágenes. Magritte explora el espacio real y la ilusión espacial.



La siguiente sala esl a experimentacion fotográfica del artista, en general escenas de la vida cotidiana entre amigos, su esposa y mascotas y autoretratos. Todas las fotografías eran chiquititas, más chiquitas que las de cámara instantánea, para poder osbersvarlas mejor hay una pantalla donde las puede ampliar o girar, mover encimar.... y se proyecta en la pared, toda la exposición estaba acompañada de espacios tecnológico interactivos, como esta pantalla.


Había una pantalla que dectectaba lo rotros de la gente en la exposición y les pone las cosas que se encuentran en diferentes obras de magritte; como la pipa o la manzana verde, dichos objetos, en la obra de Magritte, respreentan la perdida de la identidad en la sociedad de masas. Magritte era mut partidario de retratar esta perdida de identidad en la sociedad, por lo que todos los hombres de sus obras visten igual, bombñin y abrigo negro.


En la última sala del segundo piso, encontramos la obra impresionista de Magritte, junto con la botella en la que esta retratada una mujer. La idea de pintar botellas de Magritte parte del Ready Made de Duchamp, sacar los objetos cotidianos de su realidad y convertirlos en arte.


Sus obras mñas famosas se encuentran en el primer piso, también aqui podemos encontrar un nuevo elemento en su obra. La roca, la roca para Magritte representa la postguerra y como la misma, la pone en lugares donde nunca se encontraría, en un balcón o cuartos.


Sus obras estan llenas de formas básicas y en los cuarentas adoptó la paleta y pincelada impresionista, cuando se desarrollan su cuadros fauvistas.

martes, 13 de abril de 2010

martes, 6 de abril de 2010

Madame de Pompadour


El estilo Rococó


Madame de Pompadour

Retrato por Francois Boucher.

1721-1764

Múnich, Alte Pinakothe


Fue retratada en vestidos elegantes con superfluos adornos y su predominante gusto por el rococó. Este complejo vestido lleva una cinture encorsetada y una falda con miriñaque. El cuerpo cortado en punta descendente, con un profundo escote cuadrado y se adorna con encajes plisados “tocad aqui”.


La amplia sobrefalda se abre para mostrar la bajofalda, que era cocida al cuerpo y se adornaba con un borde bordado y decorado con plisados, cuentas y flores. Los vestidos de Madame de Pompadour estaban en parte ideados por ella misma, quien escogía los materiales que adornaban sus vestidos.


Encontramos el vestido de corte rococó que se lucía a mediados del siglo XVIII. Lleva las mngas ceñidas que terminan en tres cuartos con flotantes volantes de encaje, con listones y flores decorativas. Otro volante adorna el escote y el corsé escotado esta cubierto de tejido y lazos.


siglo XVIII


Comienza en Europa de nuevo con una guerra, la guerra de sucesión española, en la que se vieron involucrados todos los paises europeos (1701-1714). Luis XIV reinaba Francia y se encontraba en la cima del poder, pero el paso del siglo daba puerta a un cambio en el panorama.


La industria y el comercio prosperaban, en manos de la clase burguesa, quienes son los principales promotores del estilo rococó, palabra deribada de rocalla o incrustación de conchas.


El rococó es un estilo en el que se abogaba por el ornamento, las sinuosas volutas y las formas curvilineas, extendió su dominio a la moda. Durante el reinado de Luis XV la industria textil adquirió un enorme desarrollo, cintas, encajes, frunces, escalorados, flores de seda y mariposas que decoraban los trajes de los poderosos.


En la segunda mitad del siglo surge, en el mundo, la ilustración. La filosofía de la ilsutración, movimiento cultural de orgien germánico, defendía la razón sobre la autoridad. Voltaire fue uno de sus principales defensores al igual que Rousseau.


Maria Antonieta defendió a Rousseau, pero mientras ella descansaba, el pueblo se levantaba. Luis XVI convocó al equivalente del parlamento francés para promulgar las leyes santuarias en las que estipulaba qe los nobles, clérigos y pueblo debían adoptar un traje aporpiado. De tal forma que la vestimenta de los nobles seria en oro y brocados, medias blancas y sombrero con plumas; los clérigos llevarían túnicas purpura, y el pueblo un oscruo y triste uniforme, fue una medida muy debil para contratar la situación. Despúes de 10 años francia paso a ser una república.


Luis XVI y Maria Antonieta murieron en la guillotina. Todas las iglesias fueron cerradas, y las propiedades, vendidas en beneficio del Estado. Los ligeros despreocupados y suntuosos ideales del rococó, fueron reemplazados por la brusquedad de la revolución.


La Mujer


Fueron preparadas para la mayor autonomía de tal forma que incluso las mujeres de clases medias podían moverse, poner sus propios negocios, abrir salones y escribr libros.

Fue un siglo lleno de grandes mujeres como María Teresa, archiduquesa de Austria. Catalina la Grande, emperatriz de Rusia.


Maria Antonieta, cuyo rasgo es la extravagancia excesiva. Sus cuidados personales podían llegar a costar 258000 libras al año. Se convirtió en la reina de la moda francesa gracias a Rose Bertin.


La revolución francesa dio pie a 2 movimientos a favor de la mujer, algunas figuraron en los discursos de la política, mientras que otras lo hicieron en las armas, Olympe Gouges luchó por la igualdad entre hombres y mujeres pero los revolucionarios permanecían con la opinión de que las buenas ciudadanas eran las mujeres que permanecían en el hogar a cuidar de los hijos.



Maria Antonieta


Maria Antonia se casó con Luis XVI a los 15 años, la incapacidad del rey para consumar el matrimonio, llevó a Maria Antonieta a buscar placer en otros lugares, salones, casinos, carreras de caballo o bailes enmascarados. Hasta que el emperador José II, instruyó al Rey la capacidad de consumar el matrimonio, del que nacieron dos niñas y un niño.


Durante una etapa de su vida, Maria Antonieta fue una madre dedicada, pero este periodo fue pasajero. En el año de 1785, el escándalo del Collar de La Reina, estalló, el cardenal de Rohan le había regalado una joya de 17 diamantes doble, con otros 4 colgantes de diamante, el escándalo ocurrió cuando la monarquía estaba al borde de la bancarrota, por lo que la reputación de la reina se vio muy comprometida, 8 años después el pueblo aplaudia a la gillotina que mató a Maria Antonieta.




Indumentaria


La moda francesa fue muy influyente en el siglo XVII, en el cual surgen los costureros, quienes fueron los encargados de crear las prendas de las mujeres, acompañados por las sombrereras. En las clases más humildes, la mujer era la encargada de confeccionar las prendas.

Rose Bertin fue la responsable del gran paso que llevó a las costureras a ser creadoras reconocidas. También fue la creadora de toda una industria y empresa en la que trabajaban varias creadoras. Trabajó el estilo rococó y el redingote (imitacion de ltraje masculino) y los sencillos vestidos de muselina, ceñidos por un lazo.


Prendas Femeninas.


Se caracterizó por el uso de miriñaque, aros de metal ensanchando la figura a partir de la cadera, a veces hasta 150 cm, entre más anchos más elegante la vestimenta. Su uso fue abandonado por su poca practicidad, su voluminosidad hacía que la cintura atrapada en un corsé se viera muy delgada mientras que los largos escotes desvelaban el nacimiento del pecho.

Una prenda básica en el guardarropa de una mujer de la época es el vestido estilo Watteau, vestifo flotante, con escote y estomago adornado con cintos, se lleva sobre un cuerpo ceñido y una bajofalda de vuelo. En la espalda caen pliegues desde los hombros hasta el bajo de la larga falda, esto elimina la linea de la cintura.


Como Maria Antonieta odiaba usar corsé, en su época fueron desapareciendo los miriñaques y en us lugar las faldas caían en ligeros pliegues. También, gracias a ella, fue adoptado en la corte un vestido recto, ceñido a la cintura con un fajín flojo, llamada “a la levita”, se impuso la simplicidad y el blanco se convirtió en el color de moda.


La revolucion llevó la moda a ser más informal, se suprimió la seda, el terciopelo y el brocado, la mujer se vio liberada de las prendas restrictivas como corsés, miriñaques, pelucas altas y empolvadas, tacones y cintas.


En el siglo XVIII la industria textil tiene un gran avance, con la invencion de la máquina lanzadera volante y la máquina de tejer. Hargraver ideó la máquina de hilar algodón, y Cartwright el primer telar mecánico. El algodón era fundamental en la construccion de las colonias, su recolección y producción fue muy ligada a la esclavitud.

Al finales del siglo la produccion de tejidos y las técnicas de teñido y estampado adquirieron un gran desarrollo.


El corsé

En el siglo XVIII el corsé se vuelve una obra de arte, pero era verdaderamente un instruento de tortura. Se consideraban un símbolo de posición social ya que impedia hacer esfuerzos excesivos. Se hacían de raso, sedad bordadas y brocadas.


Bibliografía

Corgrave, Bronwyn, Historia de la moda desde Egipto hasta nuestros tiempor, editorial gustavo Gili


miércoles, 10 de marzo de 2010

Renoir




Esta es una obra de Pierre Auguste Renoir, se titula La lodge y fue pintada en 1874.



IDMFashion






El evento organizado por Rocio Torre fue el desfile de modas de la nueva colección de Lorena Saravia, quien es una diseñadora mexicana de 25 años, realizó sus estudios en barcelona y empezó a trabajar a los 17 años para Macario Jiménez.
El show estaba puesto como entrada a juego de disney, ibas caminando por una serpiente que te iba enseñando ropa de varios diseñadores o cosas de diseño industrial, hasta que llegabas a la parte donde iba a ser la pasarela.
Nos sentamos en nuestros lugares y esperamos a que empezara, sus modelos estaban arregladas con el pelo en crepé por toda la cabeza y maquilladas muy pálidas.
La colección se llama El Retrato de Pepita, y esta compuesta casi toda por colores muy pálidos como blancos y huesos pero tiene azules eléctricos y negros que le dan profundidad a la colección.


domingo, 21 de febrero de 2010

Edgar Degas





Edgar Degas

Impresionista de forma más que de color.
Encarna la vena del clasicismo por sus estudios de Rafael del Renacimiento.
Es moderno porque cambia las escenas académicas por las modernas.

Capta el movimiento por lo que se concentra en temas como bailarinas y carreras de caballo.
Fotógrafo , por eso vemos posiciones instantáneas y bordes cortados, para capturar el movimiento.
Dibuja mujeres, en poses insólitas, naturales o instantáneas.
Maneja la luz pálida.
Era el impresionismo de Interior.

Utilizo pasteles.
Problemas de visión después de participar en la guerra franco-prusiana.
7 exposiciones impresionistas menos una.
Creía que los pintores no deberían tener vida personal, por eso era una persona muy aislada.
Sus últimas obras fueron pasteles y esculturas, dejo de trabajar completamente en 1912.
Murió en 1917, cuando ya era prácticamente ciego y pasó sus días vagando sin sentido por las calles de París.

Estudioso del renacimiento italiano, influencia del arte japonés y simbolismo.
Sus primeras obras eran neoclásicas, basadas en el romanticismo.
Fundador del impresionismo pero su estilo no es completamente impresionista. Por ejemplo, la iluminación artificial en escenas urbanas.
El dibujo es esencial en sus figuras, trazo de líneas más que plastas de color.
Usa el óleo para sus desnudos femeninos.

Su escultura de la Pequeña Bailarina de 14 años, fue realizada en cera y su esqueleto era de pinceles en lugar de alambre.

domingo, 14 de febrero de 2010

El fuego nuevo- museo de antropologia


La ceremonia de Fuego Nuevo fue realizada por todos los pueblos de Mesoamérica. Las evidencias más antiguas se remontan a la época del esplendor de Teotihuacan, pero se practicaba desde tiempos olmecas.

El fuego nuevo era encendido cada año, aunque se le daba mayor importancia cada 52.

“La aparición del rito de Fuego Nuevo en las láminas del portador del año del Códice Borgia, indica que hacer el fuego nuevo puede no haber estado limitado solamente a la ceremonia de los 52 años, sino que era un componente común de los rituales mexicanos de año nuevo.” (Xavier Noguez y Alfredo López Austin, De Hombres y Dioses)


El momento exacto en que se realizaba, era cuando las Pléyades o "cabrillas" llegaban al punto más alto del cielo, según testimonio del cronista Bernardino de Sahagún:

"Tomaban por señal para esta fiesta el movimiento de las Cabrillas (las Pléyades) cuando estaban en medio del cielo a la medianoche… Cuando veían que pasaban del medio, entendían que el movimiento del cielo no cesaba. A esa hora, estaban en los cerros circundantes gran cantidad de personas esperando ver el Fuego Nuevo." (Sahagún, Historia General IV)

Había ceremonias especiales cada 4, 13 y 52 años. En esta última se arrojaban al fuego las imágenes y otros objetos de culto, y se reconstruían los templos en señal de renovación.

Al "atar" cada año el Fuego Nuevo con el ascenso de las Pléyades, los mesoamericanos estuvieron en condición de utilizar esta ceremonia para medir el Año Sidéreo, lo cual, a su vez, les habría permitido calcular el Ciclo de Precesión de los Equinoccios.

La ceremonia del Fuego Nuevo se conmemora aún, cada año, en diversas comunidades campesinas de la costa mexicana del Pacífico. Las ofrendas siguen siendo muy parecidas a las de la antigüedad, pero el día de la fiesta ya no se calcula por el movimiento del cielo, sino por los aniversarios de los santos católicos.

El Fuego Nuevo era un ritual celebrado por lo mexicas para celebrar el xiuhmolpilli (atadura de años), la coincidencia en el inicio de los calendarios xiuhpohualli y el tonalpohualli, lo que sólo podía ocurrir después de 52 años. Según la mitología mexica, en este momento podría ocurrir el cataclismo que terminara con la era del Quinto Sol, donde el mundo sería destruido por terremotos. Si las Pléyades pasaban el cenit la noche del último día del ciclo de 52 años, el mundo no sería destruido y se encendía de nuevo el fuego sagrado.


Al final del ultimo día de cada siglo cuando, el sol se estaba poniendo, se creía que desaparecería para siempre. En ese momento se apagaban todos los fuegos y la preocupada población se reunía al pie de la pirámide donde los sacerdotes observaban ciudadosamente los cielos se sacrificaba una víctima arrancando su corazón mientras encendía el Nuevo Fuego, a sí el sol renacía y se había salvado de nuevo el mundo de la destrucción; comenzaba un nuevo ciclo (ciclos de 52 años) La población desechaba los palos con los que encendían el fuego en el momento de la ceremonia y solo los sacerdotes prendía en Fuego Nuevo.

martes, 9 de febrero de 2010

arte conceptual


El arte conceptual surge a finales de la década de los sesentas. En una época de efervescencia en la participación política de los ciudadanos y de inconformidad política por todo el mundo. Por ejemplo; el movimiento estudiantil de México en 68.
Esta corriente artística pretende hacer una queja política y social, y desafiar al arte tradicional por ser único, coleccionable y comprable. La idea del arte conceptual es que el arte debe de provocar una respuesta en el espectador, más que cumplir con los estándares de belleza.
Para el arte conceptual la idea a representar es el componente principal y esencial de la obra. El producto es superficial y es simplemente documentación. No es el arte que se colgaría en la sala de una casa, es el arte que provoca un pensamiento y una respuesta al estar expuesto a él.

Sol Le Witt es el primero en emplear el término de arte conceptual, en 1967, y dice que la idea es el aspecto mas importante, es la máquina que hace arte, donde se planea y se toma decisiones de antemano.

El arte conceptual no busca ser decorativo ni coleccionado. Busca provocar a su expectador para conseguir respuestas, es la étapa de la historia del arte en la que el hombre tiene una reacción ante cada obra y esta le provoca no sólo sentimientos si no estímulos intelectuales.

El arte conceptual no puede ser coleccionado en varias ocasiones porque el artista hace de sí mismo la obra.

Como ejemplo yo quiero usar la obra de Marcel Duchamp, La Fuente; que es una de las obras más representativas de la corriente conceptual.
Duchamp la presentó bajo el seudónimo del Sr. Mutt, y lo que dijo fue que lo importante no es el hecho de si la fuente habia sido elaborada por el Sr. Mutt sino que el la habia elegido y de tal forma le había dado un significado completamente nuevo a algo que ya existía, moviendolo de su contexto y dándole un nuevo punto de vista.
Marcel Duchamp propone el uso de los objetos "ya hechos" para romper con la idea de que el arte era simplemente de genios y de objetos unicos e irrepetibles, sino dar a entender que el arte es parte de todos y parte de nuestra naturaleza, como los objetos realizados en serie como el mijitorio que usa para esta obra.

miércoles, 27 de enero de 2010

Girls at the Piano- Renoir

Esta pintura de Renoir la vi hace poco en una exposición temporal en el Grand Palais en París. Desde hace tiempo me gustaba el impresionismo, desde sus inicios con Manet hasta el post impresionismo. Pero en realidad fue en estos viajes y visitas por París que descubrí porque Renoir y Degas son mis favoritos.
Los temas de sus pinturas me atraen mucho, escenas muy cotidianas con Renoir y las bailarinas de Degas.
Lo que mas me impresiona de la pintura de Renoir es la paleta que usa. Sus tonos me hacen sentir como ternura y cálidez. Siempre son sentimientos suaves, como su colores pastel. Las facciones de todas las mujeres, niñas que pinta tienen los cachetitos rositas y facciones delicadas.
En especial, esta pintura me parece increible porque me da como una sensación de intimidad y de cálidez, como que formó parte del momento que están viviendo las niñas de la pintura.

biografia


Me llamo Pilar MArtin del Campo Ludlow, nací el 26 de noviembre de 1990 en la ciudad de México. Mi familia consta de 5 miembros, mis papás y dos hermanos, Isabel y Diego, yo soy la más chica.
Fui a una escuela montessori todo kinder y primaria, donde aprendi a trabajar sola. Por las tardes bailaba ballet y jugaba tennis, alguna vez fui a clases de pinturas y de musica. Cuando era ya un poco mas grande tomé un poco de piano, pero no progreso...
En sexto de primaria me fu ia estudiar a Inglaterra a un internado en el norte del pais, ahi aprendi a bucear, cosa que sigo practicando.
Entré a secundaria en el Asunción, donde realmente creí e hice a mis amigas, estaba en el equipo de futbol y en todas las actividades escolares que se te puedan ocurrir, hasta llegue a la escolta, entre toda mi generacion pusimos un musical para despedirnos, Hércules. Ahi yo cantaba y bailaba como musa y también fui la mamá de hércules.
Después de acabar prepa me fui 6 meses a estudiar francés a Paris con mis amigas.
Y ahora estudio diseño textil en la ibero... y escribo blogs por primera vez en mi vida!